12 lukisan Hermitage yang paling terkenal

Fakta

Ulasan yang terbaik menurut lembaga pengarang. Mengenai kriteria pemilihan. Bahan ini bersifat subjektif dan bukan merupakan iklan dan tidak berfungsi sebagai panduan pembelian. Sebelum membeli, anda perlu berunding dengan pakar.

Muzium Pertapaan yang terletak di St Petersburg adalah istana seni yang sebenar, di dalam tembok yang banyak disimpan karya-karya yang tidak ternilai harganya. Ia adalah salah satu daripada lima muzium seni terbesar dan lima belas yang paling banyak dikunjungi di planet ini. Hermitage diciptakan oleh Empress Catherine II sebagai koleksi empayar peribadi dan pada awalnya ditempatkan di lampiran kecil khas. Di sinilah namanya berasal, seperti yang diterjemahkan dari French Hermitage (ermitage) bermaksud “tempat kesendirian.” Seiring berjalannya waktu, koleksi itu berkembang dengan ketara, dan pada tahun 1852 ia tersedia untuk umum. Sehingga kini, jumlah pameran di muzium, yang terdiri daripada lima bangunan, melebihi tiga juta. Koleksi lukisan, yang merangkumi karya seniman terbaik dari pelbagai negara dan era, sangat bernilai. Berikut adalah dua belas lukisan terkenal yang dapat dilihat di Pertapaan.

Mengkaji lukisan-lukisan Hermitage yang paling terkenal

Pencalonan sebuah tempat Komposisi penilaian
Mengkaji lukisan-lukisan Hermitage yang paling terkenal 1 “Rasul Petrus dan Paulus”, El Greco 5.0
2 “Madonna Conestabile”, Raphael Santi 4.9
3 The Absinthe Drinker, Pablo Picasso 4.8
4 Kembalinya Anak Yang Hilang oleh Rembrandt Harmenszoon van Rijn 4.7
5 “Wanita memegang janin” oleh Paul Gauguin 4.7
6 “Komposisi VI”, Wassily Kandinsky 4.7
7 The Lady in Blue oleh Thomas Gainsborough 4.7
8 “Waterloo Bridge. Fog Effect”, Claude Monet 4.6
9 “Potret Pelakon Jeanne Samary”, Pierre-Auguste Renoir 4.5
10 “Pemain Lute”, Michelangelo Merisi da Caravaggio 4.5
11 “Danae”, Titian Vecellio 4.5
12 “Madonna Benois” oleh Leonardo da Vinci 4.5

“Rasul Petrus dan Paulus”, El Greco

Penilaian: 5.0

Rasul Petrus dan Paulus

Karya-karya seniman dengan nama samaran El Greco, yang nama sebenarnya Domenikos Theotokopoulos, dibezakan dengan gaya masing-masing. Mereka mencampurkan ciri-ciri tingkah laku dan ekspresionisme pada zaman Renaissance Sepanyol. Adalah dipercayai bahawa pelukis adalah salah satu yang pertama melukis rasul Paulus dan Peter bersama-sama. Kanvas menggambarkan penentangan watak dan dunia rohani kedua tokoh Kristian yang paling penting ini. Perbezaan ini membolehkan bahasa seni menyampaikan masalah agama yang penting pada masa itu. Paul diperlihatkan sebagai keperibadian yang kuat dan tegas, tangannya bersandar pada Kitab Suci, pandangannya mengkhianati keyakinan yang tidak tergoyahkan, hampir fanatik. Sebaliknya, Peter adalah keperibadian refleksi dan keraguan batin. Tafsiran ini jauh berbeza dengan norma-norma gereja pada akhir abad ke-16, ketika gambar itu dilukis, tetapi secara keseluruhannya sangat sesuai dengan Injil. Rasul Petrus terkenal dengan ketidakkonsistenannya, sementara Paul, pada awalnya menjadi penganiaya Kristian yang sengit, kemudian menjadi juara Kristian yang sama sengitnya.

Perbezaan pemikiran para rasul ditekankan bukan hanya oleh ekspresi wajah dan postur wajah mereka, tetapi juga warna. Artis itu menonjolkan gambar Paul dengan bantuan pakaian berwarna merah gelap, dan wajahnya juga mempunyai warna yang lebih kuat dan meriah. Secara umum, komposisi itu menimbulkan suasana kegembiraan dan kegelisahan, ciri dari semua kreativiti El Greco yang berperangai.

“Madonna Conestabile”, Raphael Santi

Penilaian: 4.9

Madonna Conestabile

Ini adalah salah satu karya awal pelukis Renaissance Itali yang terkenal, dia melukisnya sekitar usia 20 tahun, ketika tinggal di kota Perugia. Pelanggan lukisan itu ialah Duke Alfano di Diamante. Pada mulanya, itu hanya “Madonna and Child”, nama moden diberikan kepadanya atas nama pemiliknya, Giovanni Conestabile, yang mewarisi kanvas bersama dengan palazzo mewah. Karya itu datang ke Rusia terima kasih kepada Maharaja Alexander II, yang membelinya sebagai hadiah untuk isterinya Maria Alexandrovna.

Imej wanita yang liris seorang ibu yang memegang anak dalam pelukannya ditunjukkan dengan latar belakang lereng berbukit Umbria (wilayah Itali yang berdekatan dengan Tuscany). Sosok Madonna dengan garis halus ditutup dengan tudung bahu kelihatan sempurna dalam bingkai gambar bulat. Komposisi kelihatan sangat holistik dan harmoni kerana penyatuan arah pandangan watak – dan ibu dan bayi sama-sama melihat buku itu. Diandaikan bahawa membuat karya ini, Raphael menarik inspirasi dari kenangan tentang alam tempat asalnya dan ibunya yang awal meninggal.

The Absinthe Drinker, Pablo Picasso

Penilaian: 4.8

Peminum Absinthe

Pada awal abad ke-20, tema maksiat dan ketagihan cukup popular dalam lukisan Perancis, terutama absinthe. Minuman halusinasi yang sangat kuat telah menjadi jimat sebenar dari beau monde Paris. Sebagai tambahan, artis berusia dua puluh tahun itu hanya mempunyai “periode biru”, di mana dia menulis terutamanya adegan yang penuh dengan kesepian dan kekosongan. Perwatakan utama gambar ditunjukkan dalam semua keburukan seseorang yang telah memilih jalan pemusnahan diri. Dia duduk di sudut, berpagar dari semua orang, satu-satunya rakannya adalah sifon biru dan segelas minuman hijau. Terdapat cermin di dinding di belakangnya, di mana dunia luar yang terang tercermin, tetapi wanita itu lebih suka khayalan dan halusinasi sendiri, yang dihasilkan oleh tindakan alkohol yang memabukkan kepadanya.

Drama plot ini disempurnakan oleh jari-jari yang terlalu panjang yang menyimpang di mana peminum absinth menutupi dirinya, seolah-olah cuba melindungi ilusi dari realiti. Beku dalam pose yang tidak wajar, dia sepertinya telah berubah menjadi benda mati, menjadi terkait dengan botol dan kaca yang berdiri di atas meja. Simbolisme ini ditransmisikan dalam warna dan garis besar yang serupa dengan peralatan wanita dan absinth.

Kembalinya Anak Yang Hilang oleh Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Penilaian: 4.7

Kembalinya anak yang hilang

Rembrandt membuat sebilangan besar lukisan dengan tema alkitabiah, tetapi salah satu yang paling dikenali adalah plot dari anak lelaki yang bertobat, yang kembali kepada ayahnya setelah menghabiskan semua hartanya. Karya ini ditulis pada akhir karya seniman, yang memasukkannya bukan hanya pengalaman terkumpul, tetapi juga emosi dari kehilangan anaknya Titus. Watak utama di kanvas tidak berpusat, sebaliknya disorot dengan mahir dengan cahaya. Ini adalah anak yang berlutut dan seorang ayah yang tunduk kepadanya, yang seluruh postur dan ekspresi wajahnya menunjukkan kemaafan mutlak. Perbezaan antara pakaian keluarga yang kaya dengan pakaian anak lelaki yang sangat miskin yang dibawa untuk menyelesaikan kemiskinan jelas kelihatan.

Gambar itu memfokuskan perhatian penonton tidak hanya pada acara tersebut melainkan pada pengalaman emosi para peserta dalam drama keluarga ini. Selain bapa dan anak, kanvas itu menggambarkan empat orang lagi, yang keperibadiannya masih menjadi misteri. Penciptaan Rembrandt pada tahun 1967 berfungsi sebagai inspirasi untuk komposer Britain yang terkenal, Benjamin Britten, yang, setelah melihatnya hanya sekali dalam lawatan ke Pertapaan Soviet ketika itu, menulis opera musikal Prodigal Son tidak lama kemudian.

“Wanita memegang janin” oleh Paul Gauguin

Penilaian: 4.7

Wanita memegang janin

Lukisan ini juga bertajuk “Eu haere ia oe”, yang bermaksud “Ke mana anda akan pergi?” dan pada dasarnya adalah ungkapan yang digunakan orang Tahiti untuk saling memberi salam ketika mereka bertemu. Gauguin menulisnya selama dia tinggal di Polynesia, di mana dia datang untuk mencari inspirasi dan harmoni dengan alam. Tumbuhan yang eksotik, penuh dengan warna-warna cerah, kehidupan pulau dan budaya yang unik memberi kesan besar kepadanya. Tetapi artis itu sangat dikagumi oleh wanita Tahiti yang sangat berbeza dengan wanita Eropah dalam kesederhanaan dan rahmat primitif mereka. Salah satu penduduk tempatan ini digambarkan di latar depan lukisan, dengan buah kehijauan di tangannya (kemungkinan besar, ia berfungsi sebagai kapal air). Dua yang lain duduk di dekat pondok, yang lain sedang memerhatikan dari kejauhan, memegang seorang kanak-kanak dalam pelukannya. Ini adalah episod biasa dari kehidupan seharian penduduk pulau, tetapi di dalamnya Gauguin melihat perwujudan irama alam semula jadi.

Keinginan untuk menyampaikan keindahan eksotik dan hampir tidak tersentuh oleh tempat-tempat peradaban menyebabkan pemergian dari hampir semua tradisi dan peraturan lukisan tradisional. Gaya individu yang diciptakan oleh artis menganggap generalisasi, pemindahan bentuk dan cahaya dengan minimum kaedah. Palet warna kanvas yang terang mencerminkan suasana hari tropika yang gerah. Dan sikap orang yang tenang dan santai serta corak berdaun pada pakaian mereka melambangkan hubungan kerohanian dengan persekitaran tempat mereka tinggal.

“Komposisi VI”, Wassily Kandinsky

Penilaian: 4.7

Komposisi VI Wassily Kandinsky

Kandinsky adalah salah satu artis abstrak pertama di dunia. Sumbangan seniman Rusia untuk pengembangan lukisan arah ini sangat besar sehingga sebuah ruang berasingan di Pertapaan telah diperuntukkan untuk karyanya. Dicipta pada tahun 1913, “Komposisi VI” adalah salah satu karya yang paling menarik, warna-warna terang dan sapuan bebas yang sempurna menggambarkan dinamika permulaan ribut era baru dalam seni abad ke-20. Pada mulanya, konsep kanvas dibentuk setelah menulis lakaran dengan tema banjir alkitabiah. Namun, kemudian Vasily memutuskan untuk meninggalkan idea untuk mengikat peristiwa tertentu, membiarkan penonton untuk secara bebas mentafsirkan kedua makna dan komponen emosi.

Dunia gambar yang tidak objektif muncul dalam bentuk penggantian selekoh, garis dan bintik warna yang berirama. Menurut artis itu sendiri, terdapat dua pusat komposisi di atas kanvas: merah jambu di sebelah kiri, di mana “gelombang” biru berbuih, dan merah-biru, dengan garis kasar dan tajam. Penggantian bahagian kanvas yang kasar dan halus, serta pengimbangan unsur-unsur yang saling bertentangan, memungkinkan untuk mencapai integriti plot abstrak.

The Lady in Blue oleh Thomas Gainsborough

Penilaian: 4.7

Wanita berbaju biru

Lukisan ini dianggap sebagai harta terbaik koleksi lukisan Inggeris yang disimpan di Hermitage. Walaupun Gainsborough tertarik dengan subjek landskap, dia terkenal terutamanya dengan potret romantisnya yang canggih. Menurut kepercayaan yang popular, kanvas menggambarkan Duchess Elizabeth Beaufort, anak perempuan Laksamana Boscawen. Ciri utama artis adalah bahawa dia berusaha untuk menyampaikan bukan hanya keindahan, tetapi juga suasana hati, sifat watak individu model, untuk menjadikan gambar itu hidup mungkin. Tidak ada kekakuan yang melekat pada zaman Baroque dalam karya-karyanya. Gambar dibezakan dengan skema warna yang harmoni, menggabungkan warna biru dan kelabu. Ia dilukis dengan goresan cahaya, berbeza dalam ketumpatan dan bentuk, kadang-kadang begitu tipis sehingga kain kanvas bersinar melalui cat.

Perhatian khusus diberikan kepada rambut palsu yang tinggi dan kompleks, yang menempati bahagian penting dalam komposisi – pengarang telah menarik perhatian elemen imej wanita ini, yang bergaya pada abad ke-18. Penghormatan kepada fesyen adalah topi dengan bulu burung unta, serta penggunaan serbuk putih untuk mengikat leher, bahu dan bahkan dada, kerana pucat kulit dianggap sebagai sifat tidak terpisahkan dari golongan bangsawan.

“Waterloo Bridge. Fog Effect”, Claude Monet

Penilaian: 4.6

Jambatan Waterloo dalam cuaca mendung

Artis Perancis Claude Monet adalah salah satu dari mereka yang berdiri pada asal usul lukisan impresionis, sangat popular pada abad ke-20. Dia memulakan kitaran lukisannya, yang disatukan dengan tema Waterloo Bridge London, semasa dia menginap di Savoy Hotel, yang menghadap ke Thames. Seorang eksperimen dan penyokong avant-garde, Monet sering meneroka kemungkinan menyampaikan pelbagai keadaan atmosfera dengan menggunakan cat. Dan tentu saja, dia tidak melepaskan peluang untuk menangkap kabut terkenal yang menyelubungi ibu kota Great Britain. Setelah bermula di London, artis itu menyelesaikan karya yang sudah ada di bengkelnya di Perancis, dari ingatan, sambil menyampaikan tidak banyak garis besar bandar dan sungai sebagai emosinya sendiri dari pemandangan yang disukainya.

Lukisan Claude Monet dapat dilihat dengan lebih baik dari jarak jauh – kemudian kaleidoskop pukulan yang kelam-kabut pada mulanya bertukar menjadi jambatan dan perairan Thames dengan kabut berpusing di atasnya, cerobong kilang dan siluet kapal terapung dapat dilihat dengan jelas. Skema warna jelas didominasi oleh ungu dan warna biru – oleh itu penulis memutuskan untuk menyampaikan suasana melankolis London, yang terbenam dalam kabut.

“Potret Pelakon Jeanne Samary”, Pierre-Auguste Renoir

Penilaian: 4.5

Potret pelakon Jeanne Samary

Potret wanita adalah bahagian terpenting dalam karya kreatif Renoir. Dia terkenal dengan siri lukisannya dengan pelakon Jeanne Samary, yang tinggal di dekat artis dan dengan senang hati datang kepadanya untuk berpose. Secara keseluruhan, empat potret dibuat, berbeza antara satu sama lain secara komposisi dan warna. Lukisan ini dianggap sebagai salah satu karya Renoir yang paling impresionis. Dia dicirikan oleh gaya bebas di ambang kelalaian, dengan bantuan suasana kesegaran, pemuda dan kewanitaan yang mudah disampaikan. Perlu diperhatikan bahawa pengarang sedikit menghiasi penampilan Jeanne untuk menyampaikan pesona dalaman dan cinta hidupnya di atas kanvas.

Setelah lukisan itu dipamerkan di pameran ketiga Impresionis, gambar itu menimbulkan keributan, dan kebanyakan penonton lebih cenderung kepada kritikan. Dan tidak menghairankan, kerana pada akhir abad ke-19, lukisan dekoratif, romantis masih diminati, dan impresionisme hanyalah tren baru. Lebih-lebih lagi, gabungan pakaian hijau yang dipilihnya dengan latar belakang merah jambu dianggap tidak sesuai. Namun, dalam lingkaran penutur yang sempit, keberanian artis, bukan berdasarkan tradisi, tetapi perasaannya sendiri, mendapat sambutan positif.

“Pemain Lute”, Michelangelo Merisi da Caravaggio

Penilaian: 4.5

Pemain kecapi

“The Lute Player” adalah salah satu karya awal Caravaggio, yang dilaksanakan pada akhir abad ke-16 dengan perintah pelindung karyanya, Kardinal Francesco del Monte. Lukisan itu menggambarkan seorang pemuda duduk di meja, yang menemani dirinya dengan kecapi. Oleh kerana penampilannya yang lembut dan androgenik, selama bertahun-tahun dia disalah anggap sebagai gadis, kanvas itu bahkan dipamerkan di sebuah muzium yang disebut “The Lute Player”. Menurut banyak sejarawan seni, watak utama dilukis dengan Mario Minniti, seorang artis muda Sisilia. Bukti tidak langsung bahawa Caravaggio menarik seorang pemuda adalah buku muzik, yang dibuka di bahagian bass Jacob Arcadelt, yang popular pada tahun-tahun itu, “Voi sapete ch'io vi amo” (anda tahu bahawa saya mencintaimu). Seorang wanita sukar memilih melodi seperti itu, apalagi fakta bahawa kecapi secara tradisional dianggap sebagai alat muzik lelaki.

Ciri khas gaya artis adalah kemahiran menangani chiaroscuro, dan di sini teknik kegemarannya dapat dilihat – untuk merebut komposisi dari senja dengan satu sumber cahaya. Semua objek memantulkan silau yang jatuh pada mereka sesuai dengan undang-undang fizik. Kredibiliti ini mungkin merupakan akibat komunikasi rapat Caravaggio dengan saintis terkemuka, termasuk Galileo Galilei dan Giovanni Batista della Porta, pengarang karya ilmiah mengenai pembiasan. Makna semantik gambar, menurut versi yang popular, terletak pada pujian serentak mengenai keharmonian hidup dan kesedihan tentang kesedihannya. Penulis menulis dua lagi versi karya ini, salah satunya kini disimpan di New York Metropolitan Museum, yang kedua – di kediaman British Badminton House.

“Danae”, Titian Vecellio

Penilaian: 4.5

Danae Titian Vecellio

Artis Venesia dari Renaissance Tinggi, Titian, dalam karyanya, lebih dari sekali beralih kepada tema mitologi kuno. Dia menulis lukisan “Danae” untuk Raja Sepanyol. Plotnya berdasarkan legenda Yunani kuno mengenai anak perempuan Acrisius, raja Argos. Setelah mendengar ramalan oracle pengadilan tentang kematian di tangan cucunya sendiri, raja memenjarakan satu-satunya anak perempuannya di menara yang tidak dapat ditembus, di mana tidak ada manusia yang dapat menjangkau. Namun, dewa Zeus yang kuat, terpikat dengan kecantikannya, berjaya menembus ke Danae dalam bentuk hujan emas. Hasil hubungan ini, lahirlah dewa dan pahlawan purba Perseus.

Artis menggambarkan Danae sebagai tenang dan megah, dia menerima cinta cakerawala tanpa ribut-ribut atau bahkan kejutan. Wajah gadis itu sebagian ditutup dengan bayangan, tetapi lekuk tubuhnya, sebaliknya, dibanjiri cahaya emas lembut. Lukisan oleh Titian ini adalah sejenis pujian kepada sensual dan kecantikan feminin. Pelukis itu sendiri memanggilnya puisi di atas kanvas.

“Madonna Benois” oleh Leonardo da Vinci

Penilaian: 4.5

Madonna Benoit

Lukisan itu, juga dikenali sebagai “Madonna with a Flower”, mendapat namanya dari pemilik terakhirnya – dinasti seniman dan pengumpul Rusia Benoit. Karya ini diciptakan oleh pengarang lukisan Itali yang cemerlang ketika berusia 26 tahun, pada masa itu dia sudah menyelesaikan pengajiannya dengan Andrea Verrocchio. Tema Madonna diminati dalam seni jauh sebelum Leonardo, tetapi dia berjaya menghidupkan kehidupan baru dalam kisah alkitabiah yang meluas. Menolak penampilan yang ideal dan megah, tetapi tidak bernyawa, artis menunjukkan kepada dunia Madonna duniawi, yang diserap dalam kegembiraan sebagai ibu. Wajah mudanya dihiasi dengan senyuman yang sebelumnya dianggap tidak sesuai dengan penyamaran ibu Kristus. Mary menghulurkan bunga salib kepada anaknya, melambangkan penyaliban. Tetapi di sebalik makna agama, ini terutama merupakan kisah tentang kehidupan keluarga yang bahagia dan keinginan untuk mengenal dunia.

Komposisi kanvas mengandungi dua sumber cahaya. Salah satunya adalah tingkap kecil di belakang Madonna, tetapi lampu utama menyala dari kiri atas, dengan mana artis “merampas” sosok keluar dari senja ruangan dan memberi mereka kelantangan dengan cahaya dan bayangan yang sangat baik. Lukisan itu dilukis dengan cat minyak, yang memungkinkan untuk menyampaikan secara terperinci dan secara realistik ciri-ciri terkecil dari tekstur kain. Teknik melukis minyak merupakan inovasi bagi Itali pada akhir abad ke-15, dan da Vinci adalah salah satu yang pertama menggunakannya dalam karya-karyanya.


Perhatian! Peringkat ini bersifat subjektif dan bukan merupakan iklan dan tidak berfungsi sebagai panduan pembelian. Sebelum membeli, anda perlu berunding dengan pakar.

Nilaikan artikel
Majalah dalam talian mengenai gaya, fesyen, etika, gaya hidup dan tentang memilih produk dan perkhidmatan terbaik.
Tambahkan komen